“Criticaen25” es un punto de encuentro para todos los cinefilios, habitantes del séptimo planeta del sistema solar de las artes. Una propuesta amena y divertida a la par que abierta al debate y a la reflexión en la que, tan diariamente como sea posible, se irán comentando películas de todos los tiempos, con independencia de su género o fama. Un lugar en donde relajarse y disfrutar de un rato agradable en buena compañía.

Punisher 2: Zona de Guerra [2008]

 Publicado El: Miércoles, 5-Ago-2015. Nº De Serie: C25/TCM/0000089.
 Vista En: La Sexta, miércoles 6 de marzo de 2013.
 Título Original: Punisher: War Zone.
 Director: Lexi Alexander.
 Guión: Nick Santora, Art Marcum y Matt Holloway, inspirándose en el personaje creado en 1974 por Stan Lee, Gerry Conway, Ross Andru y John Romita Sr. Género: Acción.
 Música: Michael Wandmacher. Fotografía: Steve Gainer.
 Productoras: Lionsgate, MHF Zweite Academy Film, Marvel Knights, Marvel Studios, Valhalla Motion Pictures, SGF Entertainment y Mel’s Cite du Cinema.
 Presupuesto: ±35.000.000 $.
 Países: USA, Canadá y Alemania. Año: 2008. Duración: 103 minutos. Color.

Reparto:
Personajes:
Ray Stevenson
Frank Castle
Dominic West
Billy/Jigsaw
Doug Hutchison
Loony Bin Jim
Colin Salmon
Paul Budiansky
Wayne Knight
Micro
Dash Mihok
Martin Soap
Julie Benz
Angela
Stephanie Janusauskas
Grace
Larry Day
Agente Miller
Ron Lea
Capitán Ross
Mark Camacho
Pittsy
Romano Orzari
Nicky

 (Para ver su ficha completa en IMDb, pinchar aquí)

 Argumento: Frank Castle, antiguo policía y ex militar, inicia una cruzada en solitario contra el crimen organizado que asola Nueva York, lo que le lleva a ser perseguido por la policía. Durante una de sus operaciones mutila al hijo de un mafioso, pero éste sobrevive y se convierte en Jigsaw, que hará todo lo que pueda para destruir a Castle y apoderarse de los bajos fondos.

 Crítica: Tercer film basado en el personaje de Marvel Comics, con un acento marcadamente violento y un protagonista sensacional (Ray Stevenson: su cara de mal café ya es amenazante por sí sola). Homenaje al cine de los 70 y 80, Alexander se desliga de todo pudor y vergüenza para recrearse en verdaderas orgías de sangre (el prólogo: un manual de cómo saber empezar una película de acción), sumergiéndose en el lado más turbio del crimen gracias sobretodo a sus dos antagonistas principales, un enloquecido Dominic West maquillado que impone verlo, y un Doug Hutchison en su salsa, en otro papel de esos que también le salen. Amenazante en su fotografía y su puesta en escena (calles oscuras, callejones destartalados, edificios ruinosos), y con un despliegue de medios de lo más eficiente, la película convierte cualquier excusa en muestra de la violencia más desatada (un escupitajo: la reacción de Jigsaw atraganta al más pintado), pero sin olvidar el drama (la relación de Castle con Angela y Grace; Micro, un perfecto Wayne Knight; el pasado de Castle) y hasta cierto tono de reflexión sobre el bien y el mal (Castle, ayudado por sorpresa por la persona menos esperada). Indigesta por sus altas dosis de violencia gráfica y explícita, su avance dramático queda rezagado en favor de una acción que no cesa nunca, y una locura que estalla a la menor oportunidad (Jigsaw visitando el psiquiátrico; el “baile de los espejos” en el hotel). Una espiral de vísceras y sangre que termina por ser exagerada, aunque no por eso menos radical (los ataques de Castle; el clímax en el hotel, un festival de explosiones y balas a mayor gloria de la muerte). Anomalía en los parámetros del cine del siglo XXI, Punisher 2: Zona de Guerra es un film que recupera la esencia del Castigador y la época en que fue creado, así como una mirada nostálgica a otra forma de hacer cine. Ideal para los amantes del cine más agresivo y adusto. 

 La Puntilla: La paja mental perfecta de los que alguna han querido vengarse contra los que abusaron de ellos: “¡Ojito conmigo, que soy El Castigador!”.
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Pulp Fiction [1994]

 Publicado El: Viernes, 16-Dic-2016. Nº De Serie: C25/TCM/0001308.
 Vista En: AXN, martes 14 de noviembre de 2000.
 Título Original: Pulp Fiction.
 Director: Quentin Tarantino.
 Guión: Quentin Tarantino, basado en una historia original de Quentin Tarantino y Roger Avary. Género: Acción.
 Música: [No hay compositor]. Fotografía: Andrzej Sekula.
 Decorados: Sandy Reynolds-Wasco. Vestuario: Betsy Heimann.
 Productoras: Miramax, A Band Apart y Jersey Films.
 Presupuesto: ±8.000.000 $.
 País: USA. Año: 1994- Duración: 154 minutos. Color.

Reparto:
Personajes:
John Travolta
Vincent Vega
Samuel L. Jackson
Jules Winnfield
Uma Thurman
Mia Wallace
Bruce Willis
Butch Coolidge
Ving Rhames
Marsellus Wallace
Harvey Keitel
Sr. Lobo
Maria de Medeiros
Fabienne
Rosanna Arquette
Jody
Eric Stoltz
Lance
Tim Roth
Calabaza
Amanda Plummer
Honey Bunny
Christopher Walken
Capitán Koons

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 Argumento: Jules Winnfield y Vincent Vega son dos matones que trabajan a sueldo de Marsellus Wallace. Mientras que Vincent es pedido de ir con Mia, la mujer de Marsellus, a pasar una noche divertida, su marido lidia para amañar un combate de boxeo con un boxeador de segunda. Pero cuando éste gana el combate por error se ve obligado a huir de Marsellus para salvar la vida.

 Crítica: Segunda película para Quentin Tarantino tras su espectacular ópera prima Reservoir Dogs [1992], que cuenta con un reparto de quitar el hipo con el que John Travolta vuelve a la palestra después de las naderías al estilo de Mira Quien Habla [Amy Heckerling, 1989], magnífica en la selección de todas sus canciones como en la manera de planificar la propia película, en una serie de set-pieces que saltan adelante y atrás en el tiempo sin control alguno (el flashblack de Coolidge que le permite tener a Christopher Walken una de esas escenas diseñadas para pasar a la historia por lo loquísima que resulta; Vega y Winnfield, charlando con una pandilla de ladronzuelos, en que este último se arranca de pronto a citar un pasaje de la Biblia, dejando a la posteridad el misterio de la cara de John Travolta iluminada por algo que esté dentro de un maletín; Mia Wallace, o Uma Thurman tocada por uno de esos papeles hechos para ser recordada ‘in etérnum’: su baile con Vega tampoco se queda corto). Un gigantesco juego que mezcla comedia y momentos locos y que incluso al propio Tarantino en un papel muy secundario pero realmente descacharrante, gente de la talla de Harvey Keitel o Ving Rhames suben más si cabe la entidad de la propia película, cuya ambientación y vestuario es igualmente meritorio como a la vez ridículo (la ropa de Vega y Winnfield tras perder sus trajes de negro; el Sr. Lobo, un especialista capaz de imponer sus propias normas a su estilo: de quitarse el sombrero; Butch Coolidge y Marcelus Wallace, atrapados de pronto en una situación pero que muy peliaguda que los pone de corbata). Haciendo un homenaje a esas publicaciones hechas en papel barato, que se llamaban ‘pulp fiction’ por hacerse con pulpa de patata, Tarantino consolida y reafirma su talento como director en una película antológica en la que todo cuanto hay que hacer es sentarse, disfrutar y divertirse por todo lo alto.

 La Puntilla: Películas así solo demuestran lo de siempre: que no es cosa de tener millones en la cartera. Basta con un buen guión bajo el brazo.
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Puerta al Infierno [1999]

 Publicado El: Miércoles, 8-Feb-2017. Nº De Serie: C25/TCM/0001534.
 Vista En: Youtube, martes 7 de febrero de 2017.
 Título Original: Knocking on Death’s Door.
 Director: Mitch Marcus.
 Guión: Craig J. Nevius. Género: Terror.
 Música: Michael Portis. Fotografía: Harry Box.
 Decorados: Aoife Keogh. Vestuario: Aisling Byrne.
 Productora: Netridge Limited. Presupuesto: [Desconocido].
 País: USA. Año: 1999. Duración: 88 minutos. Color.

Reparto:
Personajes:
Brian Bloom
Brad Gallagher
Kimberly Rowe
Danielle Gallagher
John Doe
Profesor Ballard
David Carradine
Doc Hadley
Colm O’Maonlai
Joven Doc Hadley
Caroline Rothwell
Bonnie Laurence
Stella Feehilly
Elizabeth
Freda Hand
Harriet Baker
Richard Farrell
Priest
Michael McCabe
Samuel Sr.
Brian Glanney
Samuel Jr.
Stuart Dunne
Judd

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 Argumento: Brad y Danielle Gallagher son una pareja de recién casados que trabajan como parapsicólogos, estudiando e investigando casos paranormales. Para su luna de miel, su jefe y antiguo amante de Danielle, el Pr. Ballard, les envía a la casa de Hillside, en donde veinte años atrás murió un policía y en la que se dice habita el espectro de uno de sus antiguos dueños.

 Crítica: Necedad de tercera división que juega a dárselas de importante, que está ausente de carisma en sus protagonistas y de una historia más decente y sólida, la cual se va por el desagüe con la rapidez de un estornudo metida en camisa de once varas, proporcionando momentos que apuntan maneras en el mundillo del porno blando softcore (Brad y Danielle, poniéndose juguetones varias veces en la casa, solo para ser interrumpidos del modo menos normal y más paranormal posible; Brian Bloom y Kimberly Rowe, ella preciosa pero a la vez sosita, y él una mezcla rarísima entre Jason Patric, Scott Foley y Nestor Carbonell, pero sin la capacidad interpretativa de ninguno de ellos; Ballard, o un profesor con más libido que altura tiene el Everest, siempre rondando a su antigua novia por ver si puede evocar “viejos tiempos”: lo extraño es que ella no explote en llamas de lo caliente que anda el tío). Ni siquiera contando con la casi vergonzosa y ruborizante aparición de un David Carradine en rebajas, o una puesta en escena que intenta sin éxito crear una atmósfera de terror, se consigue un mínimo de credibilidad y de entidad a un film que además se da el escarnio de plagiar, descarada y reiteradamente, el tema de inicio de la mítica El Resplandor [Stanley Kubrick, 1980] que compuso Rachel Elkind, que suena por doquier (las visitas de Brad y Danielle al Dr. Hadley, curándose las heridas provocadas por los fantasmas: ¿es que no había una voz más insólita y discordante con la cara y el cuerpo de Carradine?; la paranoia creciente de Brad, obsesionado con la relación pasada entre Ballard y Danielle a sabiendas de los intentos de éste por meter ficha; los efectos especiales, del primero al último, saldo de mercadillo casi regalado). Una película en pobre, carnaza de infaustas madrugadas televisivas, cuyo final no puede ser más desacertado ni rezando una vela a San Judas, patrón de causas perdidas. Un fiasco total.

 La Puntilla: Si a la chica tanto le gusta enseñar carne, pasad del terror e ir al otro tema. A lo mejor incluso hubierais tenido más suerte.
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Psiconautas: Los Niños Olvidados [2015]

 Publicado El: Jueves, 2-Mar-2017. Nº De Serie: C25/TCM/0001625.
 Vista En: Cines Odeón (Corvera), domingo 26 de febrero de 2017.
 Título Original: Psiconautas, los Niños Olvidados.
 Directores: Pedro Rivero y Alberto Vázquez.
 Guión: Pedro Rivero y Alberto Vázquez. Género: Animación.
 Música: Aranzazu Calleja. Dirección Artística: Alberto Vázquez.
 Productoras: Abrakan Estudio, Basque Films, La Competencia Producciones y ZircoZine. Presupuesto: ±1.000.000 € (±1.062.000 $).
 País: España. Año: 2015. Duración: 76 minutos. Color.

Voces Originales:
Personajes:
Andrea Alzuri
Dinki
Eba Ojanguren
Sandra
Josu Cubero
Zorrito
Félix Arcarazo
Birdman
Jorge Carrero
Falso padre de Dinki
Nuria Marín
Madre de Dinki/Madre de Zacarías
Josu Varela
Señor Reloggio
Jon Goiri
Zacarías
Maribel Legarreta
Araña
Juan Carlos Loriz
Hucha
Kepa Cueto
Sargento
Josu Díaz
Policía joven

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 Argumento: Dinki, Sandra y Zorrito son tres niños de una isla que, después de un accidente nuclear que ha la dejado casi toda arrasada y en la ruina, se fugan de casa con propósito de escapar a un mundo mejor. Al mismo tiempo, un amigo de Dinki, Birdboy, intenta escapar de la policía a la vez que busca aplacar los demonios de su interior drogándose todo lo que puede. Remake en largo del cortometraje Birdboy [Rivero y Vázquez, 2011], que potencia y aumenta el perturbado universo previamente intuido y lo hace con un estilo onírico y pesadillesco a medio camino entre Tim Burton y H.P. Lovecraft, situándola en las antípodas de las producciones Disney y llevándola a un agradecido y enrevesado tono adulto donde se dan suficientes elementos en su escasa hora y cuarto de duración para despertar unos sentimientos muy encontrados (Birdboy, un niño/joven cuya adicción a las drogas lo transforma en un yonqui víctima de unas pesadillas/alucinaciones realmente terroríficas; la descripción de un gigantesco vertedero que antaño fue un próspero muelle, un mundo dominado por la violencia y la hambruna carente de toda piedad; Zacarías, un marinero que desea irse a iniciar una nueva vida, con una madre enferma y algo realmente escalofriante que los domina a ambos). Inquietante en su banda sonora como en su paleta de colores y en alguna de sus escenas, Psiconautas: Los Niños Olvidados es poco menos que un desafío intelectual a la par que sensorial, cuya carga onírica y los enrevesados giros de guión dejan entrever un mundo enloquecido y una sociedad ausente de raciocinio (el falso padre de Dinki, un humano el cual finge ser un ratón y que tiene en muy alta estima a lo que según él es el hermano de Dinki; la frase, soltada al inicio de la película, «no todo lo que tiene un cuerpo está vivo», de lo más sugerente; las escenas de los Niños Olvidados, un grupo marginal amante de la tortura y la sangre que no tolera los intrusos en su territorio). Una oscura película que, más allá de lo sencillo de su premisa, es un descenso al infierno de la locura y la depravación, retratando un lugar consumido por si mismo (Dinki, Sandra y Zorrito, buscando esperanza en un mundo sin ella; la llegada de Birdboy al faro). Un trabajo subyugante, cuyo guión es de una magnética perversidad.

 Crítica: Parafraseando a la frase mencionada, “no toda película animada es para niños”. Y eso a veces es más una virtud que un defecto.
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