“Criticaen25” es un punto de encuentro para todos los cinefilios, habitantes del séptimo planeta del sistema solar de las artes. Una propuesta amena y divertida a la par que abierta al debate y a la reflexión en la que, tan diariamente como sea posible, se irán comentando películas de todos los tiempos, con independencia de su género o fama. Un lugar en donde relajarse y disfrutar de un rato agradable en buena compañía.

Cuento de Invierno [2014]

 Publicado El: Lunes, 11-Sep-2017. Nº De Serie: C25/TCM/0002160.
 Vista En: Cines Cinebox (Corvera), miércoles 19 de febrero de 2014.
 Título Original: A Winter’s Tale.
 Director: Akiva Goldsman.
 Guión: Akiva Goldsman, basado en la novela homónima de Mark Helprin, publicada en 1983. Género: Fantástico.
 Música: Rupert Gregson-Williams y Hans Zimmer. Fotografía: Caleb Deschanel.
 Decorados: Leslie E. Rollins. Vestuario: Michael Kaplan.
 Productoras: Village Roadshow Pictures, Warner Bros. y Weed Road Pictures.
 Presupuesto: ±60.000.000 $.
 País: USA. Año: 2014. Duración: 118 minutos. Color.

Reparto:
Personajes:
Colin Farrell
Peter Lake
Russell Crowe
Pearly Soames
Will Smith
El Juez
Matt Bomer
Padre de Peter
Lucy Griffiths
Madre de Peter
Jessica Brown Findlay
Beverly Penn
William Hurt
Isaac Penn
Finn Wittrock
Gabriel
Kevin Corrigan
Romeo Tan
Graham Greene
Humpstone John
Jennifer Connelly
Virginia Gamely
Eva Marie Saint
Willa Penn anciana

 (Para ver su ficha completa en IMDb, pinchar aquí)

 Argumento: En 1916, Peter Lake es un ratero que huye de su protector y ex jefe Perly Soames, tras dejar su banda. Salvado por un extraño caballo blanco alado que surge de la nada, éste le lleva a una mansión donde conoce a una joven enferma, Beverly Penn. Esto causa las iras de Soames, temiendo que él pueda producir un milagro por ella, y buscando el modo de evitarlo.

 Crítica: Guionista de las terribles Batman y Robin [Joel Schumacher, 1997] y Perdidos en el Espacio [Stephen Hopkins, 1998] entre otras, Goldsman realiza su debut en la dirección con una historia que nada tiene que ver con la obra teatral homónima de William Shakespeare, casi perfecto en todo el elenco de actores escogidos excepto por la clase de papel que les toca representar, y con una extraña puesta en escena que intenta hallar sin éxito una atmósfera propia que le dé una mayor entidad a un romance con toques fantásticos, al que le falta garra pese a su potencial (Will Smith, haciendo el que tal vez sea el más desaprovechado de todos los papeles de su carrera: su único instante de lucimiento, hablando del “ahora”, es el numerito más redondo de toda la película; Isaac Penn, un hombre consternado que ve como la vida de su hija se apaga ante sus ojos: Hurt está de un soberbio reverencial; Russell Crowe y su pose entre mafioso y demoníaca, un villano con el que el australiano se lo pasa demasiado bien y que resulta en exceso plano). Acometiendo una labor desastrosa y floja a niveles máximos a la vez que su extraño salto narrativo diluye la magia mostrada previamente, Cuento de Invierno es un verdadero zambombazo al sentido común sin pies ni cabeza, enviado irremisiblemente al abismo de la mediocridad, insalvable incluso en la banda sonora (la trama, marcándose un rápido lapso de cien años en el tiempo: ¿el tío se pasa un siglo viviendo en Nueva York y nadie se fija en él?; el uso de cristales por parte de Soames para hacer adivinación, otro detalle interesante pero que se queda en simple anécdota; el reencuentro de Lake con una anciana Willa, que permite a Eva Marie Saint comerse a todos y a todo con su breve papel). Una película repleta de flatulencias, tramposa y con un final en el que las incoherencias se elevan a categoría de arte. Y Connelly y Brown Findlay, sosillas sin más.

 La Puntilla: Algunas veces suele pasar que una película te deja sin saber qué decir. Y ciertamente, mejor así. Por si acaso.

 Mi Valoración
 ★★★★

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Criadas y Señoras [2011]

 Publicado El: Jueves, 5-Oct-2017. Nº De Serie: C25/TCM/0002245.
 Vista En: TCM, miércoles 4 de octubre de 2016.
 Título Original: The Help.
 Director: Tate Taylor.
 Guión: Tate Taylor, basado en la novela homónima de Kathryn Stockett, publicada en 2009. Género: Drama.
 Música: Thomas Newman. Fotografía: Stephen Goldblatt.
 Decorados: Rena DeAngelo. Vestuario: Sharen Davis.
 Productoras: DreamWorks, Reliance Entertainment, Imagenation Abu Dhabi FZ, 1492 Pictures, Participant Media y Harbinger Pictures.
 Presupuesto: ±25.000.000 $.
 País: USA. Año: 2011. Duración: 146 minutos. Color.

Reparto:
Personajes:
Emma Stone
Eugenia ‘Skeeter’ Phelan
Viola Davis
Aibileen Clark
Bryce Dallas Howard
Hilly Holbrook
Octavia Spencer
Minny Jackson
Jessica Chastain
Celia Foote
Ahna O’Reilly
Elizabeth Leefolt
Allison Janney
Charlotte Phelan
Anna Camp
Jolene French
Chris Lowell
Stuart Whitworth
Cicely Tyson
Constantine Jefferson
Mike Vogel
Johnny Foote
Sissy Spacek
Missus Walters

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 Argumento: En 1963, Eugenia Phelan es una joven que regresa a su hogar de Jackson, en Virginia, a la espera de su gran oportunidad para convertirse en escritora. Al ver la situación de las criadas negras al servicio de los blancos decide escribir un libro sobre ellas y su punto de vista, encontrándose por el camino con odios y prejuicios encabezados por Hilly Holbrook.

 Crítica: Drama coral femenino con un impresionante reparto tanto principal como secundario, en el que es el segundo trabajo de Taylor tras Pretty Ugly People [2008], y que lo convierte en un auténtico túnel del tiempo para, en clave ficticia, denunciar y exponer una situación bochornosa y real al mismo tiempo, haciéndolo con un equilibrio estupendo entre la carga serias y la pura comedia (Minny, sirviendo a su ex jefa Hilly una tarta que da para toda clase de chistes, un epic moment genial como su relación con Celia Foote, la típica mujer florero pero que aún conserva fantásticos rasgos de humanidad; Hilly, una máquina de odiar y conspirar, con la que Bryce Dallas Howard se gana a pulso el odio del espectador: lo increíble de su papel solo es superado por lo desagradable que resulta; el binomio Skeeter-Charlotte, una relación madre hija tensa como ella sola, estigmatizada por los dogmas de la época: Stone y Janney se salen, sin más). Fastuoso en el vestuario y la puesta en escena para recrear el ambiente de inicios de los años 60, amén de un Thomas Newman que siempre es un placer para los oídos, Criadas y Señoras es un alegato anti racismo en toda regla con muchos matices ocultos y lecturas subliminales, los cuales enriquecen la película en cada escena (Hilly y sus amigas, unas inútiles totales que delegan las tareas del hogar y hasta el cuidado de sus hijos a sus criadas como si todavía vivieran en la época de antes de la Proclamación de Emancipación; los intentos de Celia de ser incluida en el grupo de amigas de Hilly, o la presión de encajar frente al ostracismo social; el descubrimiento por parte de Skeeter de lo que pasó con Constantine, la criada de su madre: verdaderamente deleznable). Llegando a momentos tan indigestos que casi revuelven el estómago (la detención de Minny; el final), Taylor construye un peliculón de los de siempre, intenso y desgarrador como la vida misma.

 La Puntilla: Teóricamente Abraham Lincoln acabó con la esclavitud en 1863. Con especial énfasis en lo de “teóricamente”.

 Mi Valoración
 ★★★★★

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Cowboy de Medianoche [1969]

 Publicado El: Viernes, 15-Sep-2017. Nº De Serie: C25/TCM/0002176.
 Vista En: TCM, jueves 7 de septiembre de 2017.
 Título Original: Midnight Cowboy.
 Director: John Schlesinger.
 Guión: Waldo Salt, basado en la novela homónima de James Leo Herlihy, publicada en 1965. Género: Drama.
 Música: John Barry, sin acreditar. Fotografía: Adam Holender.
 Decorados: Phil Smith. Vestuario: Ann Roth.
 Productoras: Jerome Hellman Productions y Florin Productions.
 Presupuesto: ±3.600.000 $.
 País: USA. Año: 1969. Duración: 113 minutos. Color y B/N.

Reparto:
Personajes:
Jon Voight
Joe Buck
Dustin Hoffman
Rizzo Ratso
Sylvia Miles
Cass
John McGiver
Sr. O’Daniel
Brenda Vaccaro
Shirley
Barnard Hughes
Towny
Ruth White
Sally Buck
Jennifer Salt
Annie
Gil Rankin
Woodsy Niles
Bob Balaban
Joven estudiante
Gastone Rossilli
Hansel McAlbertson
Viva
Gretel McAlbertson

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 Argumento: Joe Buck es un joven texano que decide mudarse a Nueva York con el único objetivo de convertirse en un gigoló para ganar dinero a base de acostarse con mujeres ricas. Pero sus sueños de grandeza se tuercen y pronto se ve abocado al mundo de la prostitución masculina, encontrando su única y verdadera amistad y apoyo en un vagabundo cojo, Rizzo Ratso.

 Crítica: Magnífica tragicomedia sobre las aventuras y desventuras de un Jon Voight metido en un papel que le viene como anillo al dedo, acompañado de un Dustin Hoffman que pone tierra de por medio de su pipiolo Ben Braddock que interpretase en El Graduado [Mike Nichols, 1967], para demostrar que es un animal escénico al que no hay papel que se le resista (Ratso, protestando a un taxista que casi les atropella a él y a Buck en un paso de peatones; Buck, el clásico paleto de pueblo con mucho de iluso y poco de realista, que ve con amargor como sueños de poder y riqueza tropiezan con una ciudad delirante plagada de seres esquizoides: sus pintas de vaquero en la Gran Manzana casi como un alien perdido en la Tierra son, al 100%, icono del cine; la relación de ambos, patética, entrañable, dos perdedores uno sabiendo que lo es y el otro intentando no serlo). Un canto de amor a la gloriosa miseria de la búsqueda de fama y fortuna, con la que el autor de Billy, el Embustero [1963] y Lejos del Mundanal Ruido [1967] hace una triple diana de dardos, con el fantástica tema de Harry Nilsson “Everybody’s Talking” sonando cada poco y un montaje envidiable en su consciente locura, tan certero como su fotografía (el inicio, con Buck viajando de su Texas natal a Nueva York, perfecto en su inocencia; los ¿sueños/delirios? de Buck, mezclando color y blanco y negro en un viaje de ácido donde pasado y futuro forman una implacable maraña de deseos y angustias todo en uno: el de Ratso, mirando a Buck, tampoco se queda atrás; los primeros y patosos intentos de Buck por hacer clientas, cómicos hasta lo indecible). Llevando su vena dramática a sus últimas consecuencias con una desgarradora conclusión, Cowboy de Medianoche es un film brutal y lisérgico, emotivo y adictivo al mismo tiempo (ambos, en una fiesta de clase alta). Una prodigiosa y descorazonadora fábula, cargada de momentos irrepetibles.

 La Puntilla: Joe Buck: nunca mejor dicho, el perfecto idiota que cree que se va a follar a la gran ciudad y montarse en el dólar a base de polvos.

 Mi Valoración
 ★★★★

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Cosmos Laundromat [2015]

 Publicado El: Miércoles, 19-Abr-2017. Nº De Serie: C25/TCM/0001823.
 Vista En: Youtube, martes 18 de abril de 2017.
 Título Original: Cosmos Laundromat.
 Director: Mathieu Auvray.
 Guión: Esther Wouda. Género: Animación.
 Música: Sebastián Krause. Dirección Artística: Sarah Laufer y David Revoy.
 Productoras: Blender Foundation y Blender Institute.
 Presupuesto: [Desconocido].
 País: Holanda. Año: 2015. Duración: 10 minutos. Color.

Voces Originales:
Personajes:
Pierre Bokma
Franck
Reinout Scholten van Aschat
Victor

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 Argumento: Franck es una oveja deprimida y con tendencias suicidas quien durante uno de sus intentos de matarse recibe la visita de Victor, que busca hacerle cambiar de idea, quitándole la soga que lleva al cuello para ponerle un extraño collar. Extrañado ante tal obsequio, un fenómeno atmosférico que ocurre de golpe lleva a Franck a escapar de él antes de que lo atrape.

 Crítica: Surrealista y a la vez inclasificable cortometraje perpetrado en los Países Bajos, cuyo contenido empieza de un modo un tanto desagradable, si bien evita tomar planos explícitos, para luego llevarlo a derroteros que dejan muchas preguntas sin respuesta y algunos elementos que aparte de no estar bien explicados luego se van a la pendiente de lo absurdo y de lo estrafalario hasta llegar a cimas difícilmente imaginables (la súbita aparición de Víctor, así por las buenas y sin venir a cuento: ¿de dónde sale, si en teoría Franck y el resto de sus compañeras ovejas están en un islote en mitad del mar?; los fugaces momentos en el que Víctor es visto desde su espalda, dejando ver un curioso dibujo en su chaqueta que no parece fruto de la casualidad; el diseño digital de Franck y Víctor, meritorio especialmente en los primeros planos de la cara del primero, en una mezcla pasmosa entre efecto por ordenador y a la vez imagen más o menos real, algo parecido a lo que visto en Los Croods: Una Aventura Prehistórica [Kirk De Micco y Chris Sanders, 2013]). Haciendo puntos ya directamente con su título, Cosmos Laundromat {algo así como “Lavadora Automática Cosmica”} es una enloquecida propuesta animada que versa sobre ovejas suicidas e irlandeses con complejos de salvadores, cuyo avance en el guión no hace si no evidenciar lo disparatado de la psique humana en cuanto a crear historias que ni con pinzan pueden ser cogidas, propinando además un final todavía más loco que todo lo presentado antes (Franck, despertándose de un viaje psicodélico que parece un refrito reducido de 2001: Una Odisea del Espacio [Stanley Kubrick, 1968], pero encontrándose que no exactamente como era antes; la reaparición de Víctor tras abandonar el islote de Franck, o la confirmación de que los opiáceos deben ser mano de santo para alucinar guiones). Un corto extravagante a niveles de esquizofrenia concentrada.

 La Puntilla: Diez minutos de duración. Y seguramente diez años de comerse la cabeza para encontrarle algún sentido.

 Mi Valoración
 ★★★★

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Corazón Salvaje [1990]

 Publicado El: Miércoles, 4-Oct-2017. Nº De Serie: C25/TCM/0002243.
 Vista En: TCM, martes 3 de octubre de 2017.
 Título Original: Wild at Heart.
 Director: David Lynch.
 Guión: David Lynch, basado en la novela homónima de Barry Gifford, publicada en 1990. Género: Drama.
 Música: Angelo Badalamenti. Fotografía: Frederick Elmes.
 Decorados: Daniel Kuttner. Vestuario: Amy Stofsky.
 Productoras: PolyGram Filmed Entertainment y Propaganda Films.
 Presupuesto: ±9.500.000 $.
 País: USA. Año: 1990. Duración: 125 minutos. Color.

Reparto:
Personajes:
Nicolas Cage
Sailor Ripley
Laura Dern
Lula Fortune
Willem Dafoe
Bobby Peru
J.E. Freeman
Marcelles Santos
Crispin Glover
Dell
Diane Ladd
Marietta Fortune
Calvin Lockhart
Reggie
Isabella Rossellini
Perdita Durango
Harry Dean Stanton
Johnnie Farragut
Grace Zabriskie
Juana Durango
Marvin Kaplan
Tío Pooch
W. Morgan Sheppard
Sr. Reindeer

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 Argumento: Después de un altercado donde mató a un hombre en defensa propia, Sailor Ripley sale de la cárcel y se fuga con su novia Lula Fortune para irse a California. Pero su posesiva y vengativa madre pone precio a la cabeza de Ripley contratando un sicario para que lo elimine, a la vez que el propio viaje de los dos enamorados se ve empañado de turbias experiencias.

 Crítica: Usando el mismo tono pausado pero demente que ya emplease con Terciopelo Azul [1986], el director de Dune [1984] se embarca en un viaje por la América profunda más negra y perturbada repleto de escenas alucinógenas y de una serie de personajes, principales y secundarios, a los que les falta el canto de un folio para acabar en una sala acolchada (Marietta, eterna madre posesiva con un par de oscuros secretos, dispuesta a todo para alejar a Lula y a Sailor: su llamada a Johnnie Farragut intentando avisarle de un peligro no tiene desperdicio; los propios Sailor y Lula en un concierto, con el primero arrancándose por Elvis Presley: Cage está maravillosamente sobreactuado). Fascinante por vestuarios y escenografías, sacando el debido potencial a sus paisajes así como a la música de un inspirado Badalamenti, Corazón Salvaje es una casi onírica crónica de amor y destrucción con pasajes que realmente parecen sacados de una buena sesión experimental con lisérgicos, sabiendo hacer reír incluso en el momento más inesperado (Lula, escuchando la radio del coche: un instante de desquicie brutal; la aparición de un Willem Dafoe desatado, cuyos dientes postizos dan tanta grima como el Bobby Peru al que interpreta; el triángulo amoroso Farragut-Santos-Marietta, cargado de mucha mala baba). Añadiendo escenas de alta tensión eroticofestivas (Sailor y Lula, dos jóvenes rabiosamente enamorados que se dedican a viajar y tener sexo a todo trapo), David Lynch saca sus neuras a relucir tal que si fuese el hermano pervertido de Woody Allen, genial por las referencias a El Mago de Oz [Victor Fleming, 1939] que salpican el metraje, y con una conclusión algo floja sobre lo previo, pero que no desmerece al resto del conjunto. Una fantasía con el exceso por bandera (el destino final de Perú: sin palabras), tan desmelenada como sorprendente. Y Laura Dern, psicótica y pasionalmente encantadora.

 La Puntilla: Madres chifladas, sexo descontrolado, sicarios perturbados y una carretera a recorrer. Dorothy no se va a Oz: se va al manicomio.

 Mi Valoración
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