Lunar [2013]

 Publicado El: Viernes, 21-Abr-2017. Nº De Serie: C25/TCM/0001829.

 Vista En: Youtube, jueves 20 de abril de 2017.

 Título Original: Lunar.

 Director: Tyson Wade Johnston.

 Guión: Tyson Wade Johnston. Género: Ciencia Ficción.

 Música: Zach Lemmon. Fotografía: Will H. Mayer.

 Decorados: [Desconocido]. Vestuario: [Desconocido].

 Productora: Free Bandit Productions. Presupuesto: ±5.000 $.

 País: USA. Año: 2013. Duración: 7 minutos. Color.

Reparto:	Personajes:
Justin Zachary	Heath Ryder
Susanna Zachary	Natalie

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 Argumento: En un tiranizado y futurista Los Angeles del año 2057, la ley es impuesta mediante una justicia opresiva y automática usando robots. Heath Ryder es un delincuente fugado que tras su captura es condenado a cadena perpetua en la terrible prisión lunar, pero en su deseo de reunir a su familia, Ryder buscará ser el primero en escaparse del sistema de prisiones.

 Crítica: Breve pero interesante cortometraje sobre tiranías y tecnologías al servicio de las corruptelas burocráticas, que en su ajustado de su metraje se da un baño de multitudes en la serie de guiños que le hacen a otras películas de ciencia ficción, y son unas cuantas, reduciendo al mínimo el reparto de sus actores sin que ello repercuta en la calidad de su conjunto (Los Angeles, una vez más convertida en epicentro de futuros extraños y algo perversos como el Detroit de Robocop [Paul Verhoeven, 1987]; Ryder, sometido a un juicio aún más rápido que los hechos por Stallone en Juez Dredd [Danny Cannon, 1995]; la prisión lunar, una idea que parece directamente extraída de Men in Black 3 [Barry Sonnenfeld, 2012], cuyos interiores recuerdan en parte a MS1: Máxima Seguridad [James Mather y Stephen St. Legar, 2012]). Heredera de los futuros poco esperanzadores al estilo de los años 70 como La Fuga de Logan [Richard Anderson, 1976] y con una estética bien llevada, lo cierto es que Lunar queda en su ajustada duración como una visión breve sobre injusticias, legalidades y lo que hay entre medias, demostrando que a veces el verdadero delito es el una sociedad privada de libertad y saturada de opresión (el motivo por el que Ryder busca volver a casa, el más poderoso de todos, mostrado algunas veces para entenderlo a la perfección; la desolación de Natalie, compungida ante la situación de entender que su marido no volverá). Thriller sociopolítico y a la par una lectura bastante negruzca y despojada de piedad, el tercer corto de Johnson después de Exist [2011] y de Seed [2012] no es otra cosa que la viva demostración de que en un duelo entre gobiernos y el amor el gobierno lleva las de perder y que su ausencia de diálogos (tanto Natalia como Heath no son paradigmas de la conversación precisamente) hace una narración mucho más fluida. Y en cuanto al final...eso ya es una historia muy diferente.

 La Puntilla: Llevamos tanto tiempo intentando esclavizarnos unos a otros, que un día lo que acabaremos es por aniquilarlos unos a otros.

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Luke y el Vacío [2009]

 Publicado El: Viernes, 17-Mar-2017. Nº De Serie: C25/TCM/0001690.

 Vista En: Youtube, jueves 16 de marzo de 2017.

 Título Original: Luke & the Void.

 Director: Matt Freeth.

 Guión: Matt Freeth. Género: Ciencia Ficción.

 Música: Angus Havers. Fotografía: Louis Blystad-Collins.

 Decorados: [Desconocido]. Vestuario: Jessica Harris-Freeth.

 Productoras: UK Film Council y New Cinema Fund.

 Presupuesto: ±8.000 £ (±11.700 $).

 País: Reino Unido. Año: 2009. Duración: 14 minutos. Color.

Reparto:	Personajes:
Fergus Prentice	Luke
Maya Champagne	Jessie
Simon Shepherd	George
Niki Felstead	Sarah
Dan Maxwell	Sr. Clarke
Reece Coole	Christopher

 (Para ver su ficha completa en IMDb, pinchar aquí)

 Argumento: En 1986, Luke es un niño ignorado totalmente por sus padres y con problemas de acoso escolar en su colegio. Callado y muy introvertido, se embarca en una misión muy especial para dejar sus problemas atrás, pillando cuanto aparato electrónico se le pone a tiro. Cuando una compañera de clase le sorprende robando, ésta decide ayudarle a cumplir su misión.

 Crítica: Mezcla entre drama infantil y ciencia ficción que parece un sentido tributo al universo de Steven Spielberg, cuyo argumento bien podría ser una fusión de dos de sus películas más emblemáticas, Encuentros en la Tercera Fase [1977] y E.T., el Extraterrestre [1982], ambientado a las mil maravillas a mediados de la década prodigiosa de los 80 y cuya cámara aporta en si misma cuanto la trama necesita para intuir lo que está pasando sin necesidad de irse a diálogos grandilocuentes (Luke, un niño de mirada inquisitiva y curiosa, que nunca habla pero que evidentemente tiene un plan en marcha; los padres de Luke, asombrosamente ensimismados en sus propias tragedias personales que desatienden a su hijo al punto de ni siquiera hablarle; la ambientación de su metraje, especialmente en lo que a parafernalia tecnológica se refiere, es de una precisión que lleva de forma inevitable a la nostalgia). Detallista y hasta interesante veces más en sus pequeñeces que por su supuesta grandeza, Luke y el Vacío es un cortometraje de denuncia social acerca del desamparo de los padres a los hijos, como también un disimulado homenaje a una tragedia que marcó los 80 para siempre (cierta fecha en una pizarra: 28 de enero de 1986, que pasó a la historia por las razones menos deseadas; Luke, entregándola a Jessie un sobre que, desde luego, deja mucha intriga tanto por lo que hay en su interior como a quien va dirigido; Luke, usando algo muy especial a modo de cerebro para su proyecto: más ingenioso imposible). Con un final abierto que sube las apuestas en cuanto a lo fantástico de su propuesta, Freeth se las arregla a las mil maravillas para crear un trabajo con algún punto ácido (Luke en el recreo, sufriendo el abuso de sus compañeros), pero con una candidez enorme, siendo imposible no encariñarse y sufrir con su protagonista. Una de esas ideas en miniatura que saben tocar el corazón para tocar las estrellas.

 La Puntilla: Padres que ignoran lo que hacen sus hijos y niños genios en pos de una vida mejor. ¿Ciencia ficción?. Y un cuerno en vinagre.

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Loving [2016]

 Publicado El: Lunes, 6-Feb-2017. Nº De Serie: C25/TCM/0001526.

 Vista En: Cines Los Prados (Oviedo), jueves 2 de febrero de 2017.

 Título Original: Loving.

 Director: Jeff Nichols.

 Guión: Jeff Nichols. Género: Drama.

 Música: David Wingo. Fotografía: Adam Stone.

 Decorados: Adam Willis. Vestuario: Erin Benach.

 Productoras: Raindog Films y Big Beach Films. Presupuesto: ±9.000.000 $.

 Países: USA y Reino Unido. Año: 2016. Duración: 123 minutos. Color.

Reparto:	Personajes:
Ruth Negga	Mildred Jeter-Loving
Joel Edgerton	Richard Loving
Nick Kroll	Bernie Cohen
Jon Bass	Phil Hirschkop
Marton Csokas	Sheriff Brooks
Bill Camp	Frank Beazley
David Jensen	Juez Bazile
Sharon Blackwood	Lola Loving
Terri Abney	Garnet
Michael Shannon	Grey Villet
Christopher Mann	Theoliver
Winter-Lee Holland	Musiel

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 Argumento: En 1958, Richard Loving, un hombre blanco, se casa con Mildred Jeter, una mujer negra, en Washington DC. Al volver a Virginia son detenidos por violar las leyes de segregación racial por la que no pueden dormir juntos bajo el mismo techo. Esto les lleva a presentar una demanda por la igualdad racial y de pareja, que podría cambiar la jurisprudencia de Estados Unidos.

 Crítica: Recreación en clave minimalista de los hechos reales que sucedieron entre 1958 y 1967, que sin que note en demasía el paso de los años a lo largo de la película, y con la que Jeff Nichols sirve con especial amargura un drama cargado de malevolencia y de lucha por la igualdad de manos de una pareja cuya química es fantástica, con Ruth Negga probando que de mala en Marvel: Agentes de SHIELD [2013] o de buena en el film nunca pasa desapercibida, y un lacónico Joel Edgerton cuya transformación física deja muy lejos aquellos días de Star Wars, Episodio II: El Ataque de los Clones [George Lucas, 2002] (Richard Loving, un hombre de campo trabaja como peón de construcción que solo busca una vida para él y su esposa: las miradas de Edgerton y su lenguaje corporal son perfectas; Mildred, una mujer cuyos vaivenes emocionales dan a entrever a un alma atormentada al no criar a sus hijos en el campo; el sheriff y sus ayudantes, deteniendo a los Loving en plena, en que solo les faltaba una cruz en llamas y unos caperuzos blancos para ser más evidente). Nichols, el director de Take Shelter [2011] y Mud [2012], juega siempre sobre seguro al evitar constantemente las multitudes y los grandes escenarios, prefiriendo el hacerlo todo en pequeño, dotando así a su metraje de una intimidad más que agradecida (la breve pero importante aparición de Michael Shannon: su voz al doblaje español no le pega demasiado, pero está espléndido: Bernie Cohen, explicando a los Loving cómo el estado intentará ganar el caso: repugnante es quedarse muy corto; las mil y un tretas de los Loving para volver a Virginia y así estar junto a los suyos, reflejando una represión atroz). Sensacional en la banda sonora pero más aún en su fotografía y el vestuario, Loving es otro de esos estupendos biopics hechos para romper una lanza por la igualdad. Y para recordar a los pioneros que abrieron camino a las generaciones futuras.

 La Puntilla: No hay justicia en el odio. Solo la opresión de los que enarbolan sus creencias para justificar unas separaciones que no existen.

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LOU [2017]

 Publicado El: Sábado, 22-Jul-2017. Nº De Serie: C25/TCM/0002034.

 Vista En: Cines Odeón (Corvera), domingo 16 de julio de 2017.

 Título Original: LOU.

 Director: Dave Mullins.

 Guión: Dave Mullins. Género: Animación.

 Música: Christophe Beck. Dirección Artística: [Desconocido].

 Productora: Pixar Animation Studios. Presupuesto: [Desconocido].

 País: USA. Año: 2017. Duración: 7 minutos. Color.

Voces Originales:	Personajes:
[Inexistente]

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 Argumento: En un parvulario, un niño se dedica a quitar a los otros todos sus juguetes y posesiones más preciadas cuando salen a los recreos. Durante uno de ellos en que se queda solo con todo lo que les robó, descubre en la caja de objetos perdidos a un monstruo que le roba por sorpresa la mochila, haciendo que el niño persiga al monstruo por todo el patio para recuperarla.

 Crítica: En la misma línea que con cortos como Piper [Alan Barillaro, 2016] y Parcialmente Nublado [Peter Sohn, 2009], un animador de la casa Disney hace su debut con un cortometraje sin diálogos que se presenta como una antesala previa a la proyección de cine de Cars 3 [Brian Fee, 2017], contando con un enorme colorido en lo reducido de su único escenario y con una premisa que es dolorosa y ampliamente conocida pero que rápidamente se transforma en algo muy diferente, aderezado por una divertida banda sonora para la ocasión (el infantil protagonista, el clásico matón/abusón que se dedica a amargar al resto de compañeros, eterno recordatorio de ese mal llamado “bullying” que se da en las escuelas de medio mundo; el susodicho monstruo, un compendio de objetos perdidos que han cobrado vida propia como una sola entidad: las mil y una formas que adopta según huye del niño como la persecución en si es con diferencia el mejor momento de su escasísimo metraje; el flashback, que por sorpresa pone las cosas en su sitio: de una simpleza increíble). Divertido y a veces agrio pero con un mensaje final de lo más optimista {obvio, para eso es Disney}, LOU es otra pieza mágica de los creadores de ideas tan increíbles como Aviones de Papel [John Kahrs, 2012] y Buenas Migas [Patrick Osborne, 2014], focalizado en algo tan sencillo y a la vez crucial como la actitud y las formas con que las personas, por pequeñas que sean, se tratan entre si, para obtener resultados maravillosos (el niño, obligado a devolver todo lo que robó a cambio de obtener lo que más desea, encontrándose sin quererlo con algo que va cambiando su forma de ser; su forma de mirar a una caja vacía: no es posible que sea más enternecedor de lo que ya es). Un corto precioso llevado a cabo con matrícula de honor. Y sin necesidad de soltar una palabra.

 La Puntilla: Cuantos males podrían arreglarse en este mundo con un simple gesto de amabilidad.

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Los Trece Fantasmas [1960]

 Publicado El: Viernes, 9-Jun-2017. Nº De Serie: C25/TCM/0001940.

 Vista En: Youtube, jueves 8 de junio de 2017.

 Título Original: 13 Ghosts.

 Director: William Castle.

 Guión: Robb White. Género: Terror.

 Música: Van Dexter. Fotografía: Joseph Biroc.

 Decorados: [Desconocido]. Vestuario: Louise Diage.

 Productora: William Castle Productions. Presupuesto: [Desconocido].

 País: USA. Año: 1960. Duración: 85 minutos. B/N.

Reparto:	Personajes:
Donald Woods	Cyrus Zorba
Rosemary De Camp	Hilda Zorba
Jo Morrow	Medea Zorba
Charles Herbert	Buck Zorba
Martin Milner	Benjamen Rush
Margaret Hamilton	Elaine Zacharides
John Van Dreelen	Van Allen

 (Para ver su ficha completa en IMDb, pinchar aquí)

 Argumento: Cyrus Zorba es un paleontólogo que debido a sus deudas pierde su casa. Justo entonces hereda una gran mansión de un tío suyo, Plato Zorba, a la que se muda junto a su mujer Hilda y sus dos hijos Medea y Buck. Pero la convivencia en la casa se complica tras descubrir que Plato era un ocultista y experto en lo sobrenatural, que atrapó en la casa a doce fantasmas.

 Crítica: Director de westerns y aventuras del estilo de El Rifle Que Conquistó el Oeste [1955] como de la inquietante House on Haunted Hill [1959], William Castle se lo pasa de miedo {nunca mejor dicho} con una pequeña pero muy eficiente propuesta de terror y suspense al que no le faltan notas de humor pero que juega maravillosamente bien con sus escasas bazas, tomando el tan manido asunto de las casas encantadas para llevarlo a otro nivel (los breves planos de la casa desde fuera, que pertenecen a la Mansión Winchester, una de las casas encantadas más famosas de USA; el inicio, en el que se presentan a doce fantasmas, dejando una interrogante a resolver: da igual que se vea el truco, mete en la trama desde el segundo uno; un indiferente Buck, hablando de Emilio, un cocinero espectral con tendencias asesinas: involuntariamente cómico). Preciosa en Jo Morrow como fantástica en el uso del 3D para darle “vida” a los distintos espíritus, Los Trece Fantasmas es una joya del terror en si misma que mantiene su brillantez en todo momento, que hasta se permite tener a una carta ganadora como una Margaret Hamilton que aparte de estar de fábula, se nota que se lo pasa en grande (la idea de Buck de que Elaine es una bruja, creando una teoría interesante: ¿qué mejor fórmula para atrapar fantasmas que con una bruja?; la familia, jugando al mal llamado juego de la Ouija, que empieza inofensivamente y termina entre miedo y risa a la vez; la pose demasiado buena de Rush, abogado de Zorba: Milner lo borda, sin más). Una delicatessen con aroma de serie B pero con el dulce sabor de un trabajo bien llevado en especial por el juego de luces y sombras en la fotografía, que son un enorme punto extra a su favor, como por lo sólido de sus actuaciones. Y lo del final, con Margaret Hamilton evocando a su pérfido e icónico papel en El Mago de Oz [Victor Fleming, 1939], es un broche de oro magnífico.

 La Puntilla: Que distinto veo el mundo si vendieran gafas para ver fantasmas tan corrientemente como quien vende pipas. ¿Tú no?.

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